Est-ce qu’un cri de lapin qui se perd dans la nuit peut encore effrayer une carotte ?

Est-ce qu’un cri de lapin qui se perd dans la nuit peut encore effrayer une carotte ? nous raconte l’histoire d’un père de famille, acteur de sa propre histoire, rentrant d’une soirée déguisée et arrosée à la campagne. Chemin faisant, ce père encore déguisé en lapin, croise dans la lumière de ses phares un lapin… Il fait une embardée et voit alors sa vie dans un défilé de souvenirs chaotiques et désordonnés, dans le temps dilaté de l’accident, sa femme et son fils à ses côtés. Mais qui parle ici ? (Le père lapin ? Le lapin ? L’acteur lapin ?) Et surtout qui va mourir ce soir ?
Il en résulte un texte à triple narration, tournant autour d’un acteur mettant son corps au service du plateau. C’est à partir de cette triple narration que les thématiques de la pièce s’ouvrent sur le plateau et que l’acteur fait l’expérience de ses propres masques, racontant sans relâche et avec quelques joyeusetés pourtant, sa vie, ses errances et l’expérience de sa propre mort.

La scénographie légère, « portative » et tri-frontale s’installe dans tous lieux, même non équipés. Elle est composée d’une structure « sensible » où sont imbriqués les différents éclairages et capteurs de présence ou de contact répondant aux injonctions de l’acteur, des enceintes disposées derrière le public assurent en quadriphonie la diffusion de la matière sonore…

L’acteur, au centre de cette nouvelle proposition, doit créer une véritable chorégraphie, un jeu avec le dispositif scénique interactif qui lui est dédié, sur lequel il est seul à pouvoir agir, et qu’il lui faut parvenir à maîtriser. Il évolue dans un espace physique et mental sensible qu’il commande entièrement par son corps et les mouvements liés à sa propre histoire, interrogeant et représentant les différents niveaux de la narration, nous faisant glisser d’une parole à une autre, d’une réalité à l’autre. Il engage son travail dans une orchestration technique millimétrée où l’évocation et la suggestion d’émotions, d’intentions, permettent d’incarner, de désincarner, une parole comme si elle se construisait au fur et à mesure afin d’en étirer et déployer la dimension poétique.

Le Lapin et son cri proposent aux spectateurs une observation inédite du travail de l’acteur au cœur de la construction de la fiction. L’acteur s’interroge en public sur ses propres masques et tente de définir ses contours fuyant entre Nature et Culture, en lutte avec ses personnages et la structure interactive. Le voilà en train de se perdre à loisir dans ses volontés de représentation. Alors, il va se mettre à parler, à chercher du sens à son existence, à définir son rapport au monde et aux mots. Car ici la parole est constitutive, elle dévore l’acteur et se cherche un sujet. C’est un voyage dans la densité d’une langue visant à décloisonner le sens commun afin de se trouver ailleurs, autre part, autrement. Chercher encore et toujours le repos, la stabilité de son image, la trame dramatique fiable. Mais voilà, entre deux lapins, l’acteur lapin sait que son corps bégayant est en bout de chaîne de production et qu’il doit, bien malgré lui et puisqu’il est en public, produire du sens et de l’image. Les spectateurs, alors complices des transformations incessantes de l’acteur, sont invités à un curieux voyage avec pour seule carte la construction de la pensée de l’acteur. Mais ici encore : Qui parle ?